Von Zeit zu Zeit kommt dieses Thema auf, wird diskutiert und geht wieder unter. Es mangelt an Gründen, Fakten und Vergleichsmöglichkeiten. Dennoch gibt es sicherlich Unterschiede im Klang von Audiogeräten von einem Land zum anderen. Was wir erzählen werden, ist eher ein Diskussionsbeitrag, eine Grundlage zum Nachdenken und eine Basis zum Verständnis des Themas.

Es gibt keine Einzelheiten, weil es sie nicht geben kann

Die Formulierung „nationale Merkmale des Hi-Fi-Sounds“ ist in der Tat völlig unsinnig. Und das liegt daran, dass Hi-Fi High Fidelity ist, also eine „High Fidelity“-Wiedergabe. Im Idealfall sollte ein Audiosystem dem Grundsatz „Was reingeht, kommt raus“ entsprechen. Abweichungen vom Prinzip werden als Bruchteile von Prozent des nichtlinearen Verzerrungskoeffizienten und des Eigenrauschens angegeben. Das war’s. Voller Stopp. Und es gibt nichts weiter zu diskutieren.

Aber jetzt kommt das Interessante: In der Grammophon-Ära hatte jede anständige Stereoanlage mindestens zwei Tonregler – war Hi-Fi eine Art Sicherheitsnetz? Als die CD aufkam, gab es weniger Klangregler, geschweige denn Multiband- oder parametrische Equalizer. Aber sie sind immer noch da.

Und das Wichtigste: Aus irgendeinem Grund fällt es uns immer noch schwer, darüber zu diskutieren, wie dieser oder jener Verstärker oder Lautsprecher klingt. Aber auch andere Komponenten tragen zum Klang bei. Der Autor dieses Artikels hat persönlich miterlebt, wie die Vertreter der Vertreiber bei einem Blindtest von Kabeln zwischen den Komponenten (!) ihre Produkte fast unverwechselbar am Klang erkennen konnten.

Und woher kommen diese Merkmale?

Vielleicht sollten wir mit anthropologischen Quellen beginnen. Die Menschen an verschiedenen Orten schufen unterschiedliche Volksmusik. Und sie spielten es auf verschiedenen Volksinstrumenten. Kulturelle Besonderheiten hingen von vielen Faktoren ab.

An den Ufern des Nils wächst Schilf – es eignet sich gut zur Herstellung von Pfeifen. In der Nähe, in der Wüste, gibt es kein Schilf. Andererseits können Melonen und Tierinnereien zur Herstellung eines Streich- oder Zupfinstruments wie dem Dutar verwendet werden.

Irgendwo überwiegen Instrumente, die lange, klare Töne und sogar Akkorde erzeugen können. Und irgendwo gibt es eine Fülle von Perkussionsinstrumenten in einer unglaublichen Vielfalt.

Mittelalterliche Reisende, die die Musik exotischer Orte hörten, beschrieben sie oft als unvorstellbaren Lärm – ihre Ohren waren einfach nicht an den Klangcharakter gewöhnt, der in einem fremden Land herrscht. Dies ist die eine Seite der Entstehung der Merkmale der Volksmusik.

Die andere sind kulturelle und vor allem sprachliche Unterschiede. Derselbe Song klingt in der deutschen und japanischen Übersetzung sehr unterschiedlich.

Übrigens klingen Stimmen in manchen Sprachen tiefer, während sie in anderen höher klingen. Das Verhältnis von Vokalen zu Konsonanten, die Phonetik, die durchschnittliche Wortlänge, die Akzentuierung und die Intonationsmuster beeinflussen die nationalen Hörgewohnheiten grundlegend.

Außerdem wird die übliche musikalische Struktur, die auf Tonarten und achttönigen Skalen mit unerbittlicher Pentatonik beruht, bei einigen Völkern durch andere Prinzipien ersetzt. Daran kann man sich seltsamerweise gewöhnen und zu schätzen beginnen.

Wo und wie zeigt sich das alles?

Es liegt auf der Hand, dass die Designer von Lautsprechern und Verstärkern von ihren nationalen Traditionen beeinflusst werden. Und diese Tradition kann nicht anders, als sich auf den Klang eines Audiosystems auszudehnen.

Außerdem geben diese Systeme Musik wieder, die im Rahmen einer bestimmten nationalen Tradition aufgenommen wurde. Der Trick liegt also auch in der Art und Weise, wie populäre Musik in verschiedenen Ländern aufgenommen wird, und nicht in der Volksmusik.

Wer trägt die Schuld und was ist zu tun?

Es ist verständlich, dass ein Designer oder Tontechniker, der ein Muttersprachler seiner Musikkultur ist, den Klang anpasst oder die Tonträger nach seinen Vorstellungen vom richtigen Klang mischt. Ein Paradebeispiel dafür ist die Reihe der japanischen Remasterings klassischer Rock- und Jazz-Alben.

In Japan liebt man die englische Melodie, aber oft wird bei diesen Remasterings das eigene Verständnis davon „verschenkt“. Manch klassischer Led Zeppelin verliert seine angelsächsische Brutalität und wird stattdessen zart verständlich, mit ausgeprägten Nuancen und einer ungewohnten, ich würde sagen, unangebrachten Zärtlichkeit.

Wenn man sich dieses Produkt anhört, erhält man eine Menge neuer Informationen, die in den Originalversionen fehlten. Und dann gibt es noch die reine Subjektivität. Man wird neugierig, und jemand versucht zumindest in der Erinnerung, das verlorene Laufwerk wiederherzustellen.

Diese nationalen Eigenheiten gelten auch für Audiogeräte. Und die Marken selbst heben sie gerne hervor, indem sie mit „dem charakteristischen Klang von JBL“ oder „dem präzisen Klang von Marantz“ werben.

Was dann kommt, ist Geschmack pur – und das zu Recht! Der Verbraucher, insbesondere der Einsteiger, versucht, auf dem reichhaltigen Markt die Kombinationen von Komponenten zu finden, die seinen Vorstellungen von Klangqualität entsprechen. Und können Sie sich vorstellen, wie ein schwedischer Verstärker mit französischen Sprechern klingen wird? Oder was passiert, wenn ein australischer DAC an einen rumänischen Kopfhörer angeschlossen wird?

Und nichts wird passieren – das heißt, nichts Schlimmes. Bis zu einem gewissen Grad hält uns das Prinzip von Hi-Fi – High Fidelity – von Problemen fern. Demnach sollte das Signal nach jeder Verstärkungsstufe einen gleichbleibenden Charakter haben (natürlich mit Ausnahme von Phono-Korrektoren), ebenso wie beim Abhören über jeden anständigen Kopfhörer oder Lautsprecher. Es sei denn, es handelt sich um echte Hi-Fi-Geräte.

Worin bestehen nun diese Merkmale?

Was die nationalen Merkmale von Audios aus verschiedenen Ländern betrifft, so ist der Autor dieses Artikels bereit, seinen Kopf unter den unvermeidlichen Strom der Kritik zu stecken und Ihnen seine eigenen Merkmale zu präsentieren.

Japan. Ein weicher, sauberer Klang mit einem gewissen Maß an „Schönheit“. Das obere Schlagzeug ist in der Lage, einen „purpurnen“ Klang zu erzeugen. Der untere Teil ist lecker, aber ein wenig trocken.

Deutschland. Ein klarer, harter Mittelteil, hinter dem sich (von unten und oben) der Rest des Frequenzbereichs befindet und der einen präzisen und durchsetzungsfähigen Klang erzeugt.

Frankreich. Gesang, Gesang und nochmals Gesang. Dieser ist recht gut und oft isoliert vom restlichen Spektrum, das vielleicht sogar etwas akzentuierter klingt als der Mitteltonbereich, aber keineswegs besser als dieser.

UK. Ein Bass, der gelegentlich ausklingen kann und dann in schmalbandige, druckvolle Varianten übergeht. Zur gleichen Zeit – genaue und leidenschaftliche Wiedergabe von fast der gesamten Palette mit einer guten Szene, aber ohne viel Emotion.

US. Mächtige Bässe, in denen die tieferen Echos des männlichen Gesangs untergehen können. Der Panch ‚zieht‘ den unteren Mitteltonbereich an. Gleichzeitig ist die obere Percussion oft pfeifbereit oder einfach zu zurückhaltend.

Skandinavisch. Ein überraschend weicher, lampenähnlicher Klang. Mit viel Potenzial in den Spitzen.

All diese Dinge zusammen machen die notwendige Vielfalt aus. Sie gibt uns die Möglichkeit, diese Merkmale auszuwählen und zu kombinieren, um etwas zu erhalten, das am besten zu unserer Sicht der Welt passt.

Ich sollte gleich sagen, dass alle Merkmale so stark wie möglich hervorgehoben werden, aber in Wirklichkeit handelt es sich um subtile Nuancen. Ihre Amplitude wird zum x-ten Mal durch das erwähnte Hi-Fi-Prinzip begrenzt. Ich denke, die Liste ließe sich fortsetzen, und jeder der Punkte könnte je nach persönlicher Erfahrung korrigiert oder neu interpretiert werden. Vielen Dank im Voraus an alle, die das tun!

Das Wichtigste, was ich zum Schluss sagen möchte, ist, dass es schließlich nationale Besonderheiten beim Klang von Audiogeräten gibt.

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Mein Schulkamerad hat seine erste „Gitarre“ selbst gebaut. Später spielte er ohne jegliche musikalische Ausbildung Bassgitarre in einer Clubband. Wir haben voneinander gelernt. In der Schule war die Nachfrage nach musikalischer Bildung viel größer. Ich habe früher im Schulchor mitgemacht, wir haben jedes Jahr an Wettbewerben teilgenommen. Und was nun? Fast nichts. Die Jugendlichen in unserem Dorf gründeten ihre eigenen Ensembles, nur einer von ihnen hatte eine Musikausbildung. Sie spielten und sangen zweimal pro Woche im Club bei den Tanzveranstaltungen. Sie haben sogar ihre eigenen Lieder erfunden. Es gibt etwas zu bedenken. Die Arbeiter gingen immer mit einem Lied zur Arbeit, selbst bei der Arbeit sangen sie mit. Und wie die Mütter sangen und das Baby schaukelten. Heutzutage singen sie nicht einmal mehr auf Hochzeiten. Und was ist passiert?

Der Beginn der Zivilisation!

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Traditionell werden Rap und Hip-Hop mit dem meistgenutzten Argument „das ist keine Musik, das ist eine Ansammlung von Worten“ verfolgt, wobei an das Aussehen der Interpreten und Fans dieser Genres sowie an ihre intellektuellen Fähigkeiten appelliert wird.

Das audiophile Milieu, so wie ich es verstehe, ist ziemlich konservativ, und deshalb wird meine Aussage jetzt blasphemisch klingen, aber ich sehe eine Menge Parallelen in der Entwicklung von Jazz und Hip-Hop.

Verstehen Sie mich nicht falsch: Ja, meine Kindheit war auf dem Höhepunkt von Slim Shady und „NFS Underground“, aber zur gleichen Zeit fütterten mich meine fürsorglichen Eltern mit Pink Floyd und Queen, so dass man mir keine gedankenlose und einseitige Liebe zum Rap vorwerfen kann. Der Gedanke an eine solche Ähnlichkeit wurde vor einigen Jahren in meinem Kopf geweckt, als ich mit Musikern in Kontakt kam und mich mit der Geschichte der E-Gitarre beschäftigte, was dazu führte, dass ich einen großen Teil der Musik aus der Mitte und dem Anfang des letzten Jahrhunderts kennenlernte.

Wenn man die Augen vor der Art und Weise verschließt, wie die Musik aufgeführt wird, wird die Ähnlichkeit der Gründe für die Entstehung dieser Genres deutlich: Jedes war ein Protest für seine Zeit. Beide entstanden aus dem Schmerz und dem Leid einer schwarzen Bevölkerung in Amerika, die sich in den zehn und siebziger Jahren zweitklassig fühlte, und beide waren eine Art Sprache, die diese Menschen sprachen.

Ursprünglich dienten sowohl Jazz als auch Hip-Hop der Unterhaltung: Die fröhlichen Rhythmen der Original Dixieland Jazz Band ermöglichten es den Arbeitern in New Orleans, sich nach einem anstrengenden Tag zu entspannen und sogar zu tanzen, wenn sie noch etwas Energie übrig hatten; zyklisch gespielte Samples auf Partys in der Bronx der siebziger Jahre erzielten denselben Effekt. Auch später wurden die Texte, die die Musik begleiteten, immer tiefgründiger, die Themen berührten sensible Fragen – persönliche, soziale und politische – und die Genres entwickelten sich von der Unterhaltung zu ernsteren Themen. Beide Genres haben ihren Ursprung in der Straßenmusik, der Stimme des Volkes. Die anschließende Kommerzialisierung führte zu einer Spaltung des Hip-Hop in diejenigen, die das Leben im Ghetto kannten, und die reichen Zuhälter. Die Popularität des Jazz führte einerseits zu einem Anstieg der Professionalität der Musiker, andererseits aber auch zu einer gewissen Strenge des Genres, von der sich einzelne Interpreten befreiten.

Über die Jazzimprovisation als Maßstab für das Können eines Musikers ist viel gesagt worden: die Fähigkeit, Melodien mit ständig wechselnden rhythmischen Mustern in einem Augenblick zu produzieren, die man genießen und bewundern kann. Dies ist eines der wichtigsten Merkmale des Jazz, das sich aus seinen folkloristischen Wurzeln ableitet, als niemand wusste, wie die ursprüngliche Melodie klingen sollte, und etwas Eigenes hinzufügte, das in Bedeutung und Stil angemessen war.

Im Hip-Hop ist die Improvisation verbal – Freestyle. Zu einem vorgegebenen Rhythmus, sei es von einem DJ oder einem Beatboxer, produziert ein MC einen Text über ein freies oder ein von jemand anderem gewähltes Thema, meist ein aktuelles gesellschaftliches Thema. Auf der Grundlage von Freestyle- und Pre-Factual-Training basieren Rap-Battles: Die Aufgabe besteht nicht nur darin, den Gegner zu demütigen, indem man die zuvor erhaltenen Informationen nutzt, sondern auch auf das, was er gesagt hat, zu reagieren, was sich in Improvisation äußert (in Battles zwei Parteien und drei Runden – jeder hat Zeit, sich zu äußern).

Die Art und Weise, wie Rap gelesen wird, verdankt ihr Aussehen dem so genannten „talking blues“ – dem rhythmischen Vorlesen des Textes zu dreistimmiger Gitarrenmusik, obwohl der Einfluss des Kinderzählens und anderer gereimter Folkelemente, die von Afroamerikanern importiert wurden, nicht zu leugnen ist.

Der Rhythmus ist der Hauptunterschied zwischen den beiden Genres. Im Hip-Hop wird meist ein klarer, zyklischer Beat verwendet, der sich im Kopf des Zuhörers festsetzt, wobei moderne Versionen durch Refrains unterbrochen werden. Im Jazz hingegen basiert die gesamte Melodie auf einer Synkope, einem zerrissenen, manchmal sogar hysterischen rhythmischen Muster mit verschobenen Akzenten. Die Musiker spielen mit dieser Störung und nähern sich ihr aus verschiedenen Blickwinkeln auf einzigartige Weise.

Bemerkenswert ist auch die Aufteilung des Jazz und des Hip-Hop in stilistische Zweige, sowohl in territorialer als auch in zeitlicher Hinsicht. Diejenigen, die sich für Hip-Hop interessieren, wissen um die Konfrontation zwischen der East Side und der West Side, einfach gesagt, der New Yorker und der Los Angeleser Version der Performance, in den neunziger Jahren. Jazzinteressierte wissen von einer ähnlichen Konfrontation zwischen New Yorker und kalifornischen Schulen in den fünfziger Jahren. Unterschiedliche Klimazonen, leicht unterschiedliche soziale Bedingungen führen zu unterschiedlichen Wahrnehmungen und Umsetzungen der Realität in Kunst.

Diese enge Verbindung von Jazz und Hip-Hop führte zu einigen interessanten Kollaborationen: Miles Davis arbeitete an seinem letzten Album „Doo-Bop“ unter der Ägide des in Hip-Hop-Kreisen bekannten Produzenten Easy Mo Bee; Herbie Hancock veröffentlichte die Single „Rockit“ mit DJ Grand Master an den Turntables, und zehn Jahre später verwendeten Digable Planets Samples aus seinem Album in ihren Kompositionen. Auch heute noch ist die Mischung aus Hip-Hop und Jazz interessant, wie man am Beispiel der Band BADBADNOTGOOD sehen kann, die auf ihren ersten Alben klare und sanfte Beats mit röhrendem Saxophon und „epischem“ Klavier mischte und gelegentlich Walzerrhythmen und rumpelnde Bassdrums hinzufügte.

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