Die Soundtracks von Filmen und Fernsehserien haben bereits ihren Weg in die Audiobibliotheken von Musikliebhabern und Sammlern gefunden, aber die Musik von Videospielen hat in dieser Hinsicht weniger Glück: Sie wird vernachlässigt und, so scheint es mir, vergeblich.
Als Kind der Neunzigerjahre habe ich viel Zeit mit Videospielen verbracht. Als ich fünf Jahre alt war, bekam ich einen SEGA Mega Drive, als ich neun Jahre alt war, bekam ich einen siebenhundertsten Celeron, und als ich elf Jahre alt war, entdeckte ich die Welt des Internets. Die Videospiele, die ich zu Beginn meiner Jugend kennenlernte, hatten meist etwas Ungreifbares und Unformuliertes an sich. Aber sicher nicht die Handlung.
Als ich aufwuchs, kam ich zu den Emulatoren, zu den vollwertigen modernen Veröffentlichungen, zu den Klassikern der Spieleentwicklung, und ich möchte sagen, dass ich vorher zu meiner Schande nicht viel auf die Musik in den Spielen geachtet habe.
Videospiele müssen einen in die Atmosphäre eintauchen lassen, sonst können sie den Spieler nicht fesseln. Um dies zu erreichen, entwickeln die Spielemacher ein fesselndes Gameplay, Geschichten und eine gründlich entwickelte Charaktere und Umgebung. Zu diesem Zweck verbessern sie die Grafik und die Animation, die Physik, die Texturen und die Strukturen. Der Soundtrack dient demselben Zweck. Es ist, als wolle man den Spieler in eine eigenwillige Decke einhüllen und ihn in diese digitale Welt ziehen. Die Tatsache, dass die Spieler die meiste Zeit mit geschlossenen Kopfhörern verbringen, die den Einfluss der Realität nivellieren, trägt zu dieser Immersion bei.
Spielesoundtracks sind immer noch in erster Linie ein Lockmittel für den Spieler. Aber manchmal ist es der Soundtrack, der bestimmte Spiele über Jahre hinweg in unseren Herzen hält, und einzelne Songs werden zu Lieblingsstücken, die sich von ihrem ursprünglichen Zweck und dem Universum, für das sie verwendet wurden, abheben. Einige Unternehmen erstellen zusätzlich zum Original-Soundtrack Wiedergabelisten mit bereits vorhandenen Liedern, aber es ist auch nicht einfach, die richtigen Lieder in eine Wiedergabeliste aufzunehmen.
Hier möchte ich die Aufmerksamkeit auf die Soundtracks dieser Spiele lenken, die sowohl während als auch außerhalb des Spiels selbst schön sind. Sie können sie einfach in Ihren Player einlegen und genießen. Das habe ich getan.
1) No Man’s Sky
Die Veröffentlichung des Spiels hat mich dazu veranlasst, diese Auswahl zu treffen. Hier ist das Wesentliche: Ein kleines Team britischer Entwickler beschloss, jedem ein persönliches Star Trek zu geben, indem sie ein System von 18 Quintillionen Planeten mit prozedural generierten Inhalten schufen. Du bewegst dich zwischen den Planeten, versuchst, das Zentrum der Galaxie zu erreichen oder einfach nur Welten zu erkunden. Die britischen Spieleentwickler wandten sich an andere Briten, um den Soundtrack zu schreiben, nämlich an die Mat-Rocker 65daysofstatic aus Sheffield, die sich bereits zuvor mit dem Schreiben von Soundtracks (für unveröffentlichte Filme, aber das ist nicht wichtig) zusätzlich zu kompletten Alben einen Namen gemacht hatten. Diese vereinbart, durchgeführt im vergangenen Jahr bei der Präsentation des Spiels mit einem Konzert und absolut Raum Supermoon, und in diesem Sommer, ein paar Tage vor der Veröffentlichung des Spiels, veröffentlicht ein Album von Soundtrack, gewidmet Wanderungen, Forschung und verschiedene Konflikte erwarten den Reisenden in einem fernen Universum. Neben einzelnen Tracks enthält das Album auch mehrminütige Soundscapes, die die unfreundlichen Landschaften ferner Welten auf überraschende Weise darstellen.
2) Bioshock
Die gesamte Bioshock-Reihe ist durchdrungen von Symbolik und Atmosphärischem. Sie haben eine Welt erschaffen, die vielleicht nicht sehr attraktiv ist, die aber bis ins kleinste Detail so gut durchdacht ist, dass man sie mit einem Teelöffel essen möchte. Eine Stadt, die einen Kilometer tief im Atlantik verborgen ist, eine Stadt, die von Wolken am Himmel bedeckt ist – all diese utopischen Konstruktionen sind von der Musik der Epochen umgeben, die sie verkörpern. In Bioshock und Bioshock 2 ist es Art Deco und die Mitte des letzten Jahrhunderts, in Bioshock Infinite sind es die Zwanziger Jahre und der „helle amerikanische Traum“. Sicherlich denkt meine Generation, wenn sie „Beyond The Sea“ von Bobby Darin oder Django Reinhardt hört, als erstes an eine Unterwasserstadt und einen Wal, der zwischen Leuchtreklamen schwimmt, und „Will the Circle Be Unbroken“ in seiner akustischen Version ruft Visionen von Häusern hervor, die von Luftschiffen in den Himmel gehalten werden.
3) Sonic der Igel
Ich bin sehr voreingenommen: Dieser blaue Igel sitzt schon seit fast zwanzig Jahren in meinem Herzen. Die Soundtracks der Sonic the Hedgehog-Spiele, die damals auf den Konsolen Sega Mega Drive, Genesis und Saturn veröffentlicht wurden, beschrieben perfekt das Geschehen auf dem Bildschirm und holten das Beste aus den Soundchips heraus. Aber das Interessanteste (abgesehen von der Tatsache, dass Michael Jackson am Sounddesign eines der Spiele der Genesis-Ära beteiligt war) begann Ende der neunziger Jahre mit der Veröffentlichung leistungsfähigerer Konsolen. Das Sonic-Team hat sich für Gesangsspuren entschieden und die Rockband Crush 40 eingeladen, die Charakterthemen zu kreieren. Mit ihnen und Tomoya Ootani als Komponist und Arrangeur entstand ein abwechslungsreicher Soundtrack für Sonic Adventure und Sonic Adventure 2. Ja, er ist technisch nicht gerade überragend, aber er passt zur Geschichte und ist eingängig in seinen Motiven, Texten und der schieren Vielfalt. Die Band Crush 40 singt immer noch Lieder zum Lob des Igels und seiner Freunde. Neben ihnen begeistert Ootani auch in anderen Spielen der Serie mit seinen Instrumentalarrangements, die nun ein Symphonieorchester und eine beachtliche Handvoll grooviger Elektronik umfassen. Die „Chef, es ist alles weg!“-Atmosphäre ist meiner Meinung nach am überzeugendsten.
4) Machinarium/Botanicula
Das tschechische Studio Amanita Design machte 2009 mit Machinarium auf sich aufmerksam, in dem ein kleiner, aber stolzer Roboter durch das Lösen von Rätseln seine Freundin aus den mechanischen Fängen von Banditen rettete. Indie-Spiele haben eine Besonderheit: Während große Namen in der Branche durch die schiere Größe des Namens, schöne Grafiken und große Versprechungen bekannt werden, werden die Produkte kleiner Studios durch diese schwer fassbare Sache namens Atmosphäre und das, was ich „Gimmick“ nenne, populär gemacht. Andernfalls wären sie für den Benutzer uninteressant und würden in der Masse der Eintagesspielzeuge untergehen. Die Kreationen von Amanita Design haben, wie der Erfolg von Machinarium gezeigt hat, sowohl Atmosphäre als auch „Gimmickiness“: Sie haben eine Art surrealistisches Design und einen Soundtrack, der perfekt zur Geschichte passt. In Machinarium erinnert es an manchen Stellen an eine leicht gebrochene Version der nicht ganz so säurebetonten Infected Mushroom-Tracks mit Indie-Anklängen. Der Komponist war Tomasz Dvorak, bekannt als Floex. In einem anderen Spiel des Studios, dem grünen Botanicula, in dem die Helden ein ganzes Ökosystem von Bäumen retten, half Tomasz der alternativen Band DVA nur beim Sounddesign, und diese Musik vermittelt perfekt das Gefühl von natürlicher Luftigkeit und eben diesem Grün.
5) Assassin’s Creed
Die von Jesper Kied komponierte Musik hat seit der Veröffentlichung von Assassin’s Creed II, dem Spiel über das schwere Schicksal des einfachen Italieners Ezio Auditore da Firenze, die Herzen der Hörer erobert. Die Instrumentalkompositionen mit periodischen melodischen Hintergrundgesängen tauchen in die Zeit von Leonardo da Vinci ein und vermitteln perfekt die Seelensuche des Protagonisten und die Atmosphäre der Renaissance. Auch die nachfolgenden Spiele der Serie bieten eine nette musikalische Untermalung, aber in jedem von ihnen findet man eine leicht abgewandelte Version von „Ezio’s Family“ aus Teil 2 – und das will schon etwas heißen.